jueves, 20 de noviembre de 2008



I can't help quoting you...


the great Chesterton, quote/unquote
Une citation de G. K. Chesterton derrière "Destin Brisé": "Fou n'est celui qui a perdu la raison, mais celui qui a perdu tout. Tout, sauf la raison"

Ábside

Fragment 1

DESTINO CLAUSURADO REVISITED

DESTINO CLAUSURADO. Óleo sobre tela, 60 x 40 cms

Aunque no es un retrato ultrarrealista, terminado en 2008, “Destino Clausurado” viene de la experiencia en laboratorios médicos donde me metían catéteres para sacarme sangre. Pero la idea creció más allá, y a medida que me iba adentrando en la obra del pintor mexicano Enrique Guzmán (1952 – 1986), la composición de esta pintura cobró vida propia y se transformó en un homenaje a su legado. El color azul cerúleo claro del fondo está elegido adrede para transmitir calma. Para contrastar con el dolor que se siente en el brazo, pese a que la mano es evidente que no está en una posición tensa, sino reposada. Es decir, representando la resignación, la calma, precisamente, dentro del desastre. Pero la sangre está ahí, al fondo, en un brochazo violento. El título fue lo más poético para darle nombre digno al cuadro, “clausurado” pensando en todas esas obras truncas de tantos artistas (escritores, toreros, pintores) que se quedan en el camino.

JULIANNE REGAN: La Inasequible




Estudio bitonal para un retrato de Julianne Regan (Coventry girl)

Coventry average humble girl yet great performing artist All About Eve's

Julianne Regan. Coal and sanguine on paper

Fusain et sanguine sur papier


culo de tigre / cul de tigre / tiger's tail

miércoles, 19 de noviembre de 2008

detalle détail detail

PERDIDO EN EL LABERINTO. 45 X 30 CMS. 2008



PERDIDO EN EL LABERINTO. 45 X 30 CMS. 2008
Precio: $ 4, 250
Óleo sobre tela.
Justificar a ambos lados
Un hombre solo toma un descanso después de correr por años entre los muros de un laberinto en la noche. No es el laberinto ejemplar y majestuoso del minotauro, sino uno de muros derrumbados y paredes mohosas. Los simbolismos nocturnos salen de paseo: el tigre persiguiendo una rata colosal que nunca podrá devorar, el árbol muerto bajo la luna llena. Y al final: otro pensamiento en croata: “Estoy perdido”. Esa lengua me gusta escribirla, porque la estudié mucho tiempo y al final la olvidé en su mayor parte, a tal grado que ha llegado a representar para mí lo inasequible, lo que no se puede terminar de controlar.

viernes, 14 de noviembre de 2008

Exposición individual: Arte obscuro.



Publicidad del Festival de Rock Industrial que hubo en el Rockutla de Puebla, en agosto.
Poster for the Industrial Rock Festival at the Rockutla, in Puebla. August '08.
Affiche publicitaire du festival de rock industriel au Rockutla, à Puebla en août 2008.







APOLOGIA DE LA IMAGINACIÓN ERRANTE: Benjamín Bonilla.


El mundo personal de Benjamín Bonilla al que ahora nos acercamos a través de sus pinturas presenta dos características esenciales: imaginación y desarraigo.
La imaginación es una capacidad desvalorizada en el siglo XX. Una cultura educada en la imagen, ha tenido como consecuencia que los individuos hayan perdido la sana costumbre de proponer con imágenes propias un sentido más íntimo del mundo. El arte moderno ha interpretado la realidad más por la razón y sus campos abstractos, que por la emoción y la imaginación. En la ruptura del siglo XIX, la imaginación era el vehículo para transmitir las emociones de un modo directo. Han pasado más de dos siglos tratando como cultura occidental de darle equilibrio a la razón y a la emoción. El romanticismo fue el último intento por equilibrar la experiencia del sujeto y los fenómenos del mundo. Al sellar definitivamente el mundo a un proyecto racional de civilización, el arte tomó caminos distintos y se alejó de las voces subjetivas. Hubo intentos en el siglo pasado por alentar que la imaginación tomara de nuevo su lugar en el proceso creativo. Al mismo tiempo que el arte asimilaba nuevas funciones, internamente se convulsionaba y daba a luz nuevas expresiones: el impresionismo es un buen ejemplo de ello. Por este camino podemos entender el oficio de Bonilla, quien sigue la consigna de entender el oficio del pintor como una decodificación personal de la realidad y una transmutación imaginaria.
Esta muestra es síntesis de años de cultivar una sensibilidad natural y de su experiencia de vivir en otros países. Su experiencia como extranjero, lo ha llevado al enfrentamiento con el otro y consigo mismo. Si se percibe el mundo como un escenario doloroso es tan sólo el reflejo de un escenario interior que está siendo percibido.
Bonilla ha puesto los diques a su imaginación para coagular la danza de sus motivos y apreciar ciertos temas. Su obra tiene ecos literarios y de otras pasiones u obsesiones: la fiesta brava, el rock, la literatura.
Puede intuirse en los títulos de los cuadros, ya la invitación evocadora para entrar en una mirada atenta, que ha intentado descubrir, con mirilla, las otras realidades no manifiestas.
El arte de Benjamín es un arte figurativo, con sus propias simetrías y proporciones. Influido por el claroscuro, crea presencias cotidianas y oníricas que muestran un mundo emocional ríspido y musgoso. El movimiento en su pintura es lento, casi estático. Sus personajes contemplan un atisbo del vértigo que está por venir, son figuras errantes que poseen la angustia existente en el mundo, captadas justo antes de un acto donde se compromete todas sus certezas. En su exploración lumínica, el uso del contrate es uno de los mejores recursos; sabe crear atmósferas en diferentes estratos emocionales.
La raíz emotiva de sus pinturas es un íntimo desarraigo del tiempo moderno. Las expresiones de los personajes son paradójicas: frustración y fascinación por un mundo desgastado. La ironía y el llanto parecen reflejar el mismo dolor. Es por eso que la pintura de Bonilla posee un halo de misterio. Al envolverse en la paradójica conmoción de ver el mundo derrumbarse y huir riéndose de él.
En algunos cuadros, unos más arriesgados que otros, la conmoción es evidente. Podemos mencionar entre ellos Ella dijo que podía entrar, El remordimiento y escarceos de migración. Es en esos cuadros más arriesgados donde impera la personalidad de Bonilla.
Escenas de la vida cotidiana con el velo de los sueños y las experiencias subjetivas que hacen enriquecer el ojo del espectador, en donde se ve una esquina, hay algo más que un cruce de calles. En ese sentido hay cierta ofuscación, tristeza. Es en esta muestra que Bonilla proyecta las líneas de su estilo venidero.
Podríamos entender esta muestra como la respuesta que intenta decirnos de su propio sentimiento de desarraigo. La virtud de su pintura es ésta: entender el mundo como un movimiento errante, pero florido.
Benjamín Bonilla hace una constante apología de la imaginación.


Carlos Rodríguez.
Profesor de ética de la Universidad Autónoma de México.


Hey, guys, please check the video about my exhibition in Apizaco on YouTube.com:

just write down "Benjamin Bonilla" and you will find the TWO videos in which the interview was edited. This interview was broadcasted on local Tlaxcala television network. Please check absolutely THE TWO PARTS, otherwise, you will not get the whole picture, all right?

Veuillez aussi regarder les deux interviews que la télévision du Tlaxcala a trasmises à propos de mon exposition. Vous pourrez les regarder sur youtube.com, vous n'avez qu'à taper mon nom "Benjamin Bonilla" sur la barre de recherche et vous les trouverez. Or, il est très important de regarder LES DEUX parties, parce sinon, on s'y retrouve pas et les idées restent coupées.

Pueden ver la entrevista que la televisión de Tlaxcala transmitió en su programa cultural semanal "El Equilibrista", con motivo de mi exposición. Sólo escriban "Benjamin Bonilla" en la barra de búsqueda y verán las dos partes en que la entrevista fue dividida. Favor de ver LAS DOS para tener la idea completa.

www.youtube.com

Solitude Standing



A las puertas de la Casa de la Cultura de Apizaco, Tlaxcala, donde fue mi exposición individual "Apología de la imaginación errante".

Standing outside the House of Culture in Apizaco, Tlaxcala, Southern Mexico. Prior to the opening of my solo exhibition in July 2008.

Dehors la Maison de la Culture de la ville d'Apizaco, dans l'état du Tlaxcala, à 160 kms au sud est de Mexico. Lors de mon vernissage pour l'exposition "Apologie de l'imagination errante". 11 juillet 2008.

YA NO HAY FIRMAMENTO, 2007, OLEO SOBRE TELA 40 X 55 CMS





YA NO HAY FIRMAMENTO, 2007
Precio: $ 3, 900
OLEO SOBRE TELA 40 X 55 CMS

Este cuadro ha sido tan injustamente comparado con otro más célebre, que hasta mi relación con él se ha desgastado. Sin embargo, es uno de los que he pintado con más entusiasmo. De veras que a la gente no le gusta imaginar, llegar a sus propias conclusiones visuales o sonoras. Este cuadro es un pasaje de la obra “Le Jet de Sang” de Antonin Artaud, el creador del “teatro del horror” en los ’30, mucho antes del “teatro pánico” de Jodorowski. En el último acto de esta obra, se mata un gallo. Esta imagen está estilizada con respecto a lo que se ve en realidad en la obra, pero que quede claro: la mueca desencajada del actor maquillado de blanco no tiene nada que ver con “El grito” de Munch: la encarnación de la desesperación o de cualquier otro sentimiento, no es privativa de un solo cuadro ni de una sola persona. Todos podemos hacerlo y representarlo, llevándolo a cabo con nuestro lenguaje musical, visual o semiótico. ¡Porque si no fuera así, ya no habría pintores, ni fotógrafos, ni cineastas y la historia del rock hubiera terminado al separarse The Beatles!

TORTURADO, 2007, OLEO SOBRE TELA 46 X 36 CMS




TORTURADO, 2007
Precio: $ 3, 600
OLEO SOBRE TELA 46 X 36 CMS

En un capítulo de la novela “Nostromo” de Joseph Conrad, se tortura a un hombre colgándolo de los brazos. Esta escena se grabó en mi memoria por años y sirvió de pretexto para detonar esta imagen de un cuerpo solo en la penumbra. Quise hacer énfasis en la carne golpeada, la indefinición del rostro y los pliegues del pantalón raído. Así como pongo a veces rostros en las paredes en otros cuadros, aquí, al fondo, hay una persona, de traje y sombrero contemplando al torturado, a guisa de siniestro maestro de ceremonias.

RUEGOS ACIAGOS, 2007, OLEO SOBRE TELA 60 X 40 CMS




RUEGOS ACIAGOS, 2007
Precio: $ 4, 200
OLEO SOBRE TELA 60 X 40 CMS

Hace muchos años, incluso cuando había olvidado que me gustaba dibujar, vi una procesión de mujeres en un mercado, en la noche. Los postes de luz las iluminaban y proyectaban sus sombras en los muros. Años después, leí un cuento japonés sobre una procesión de mujeres que van rezando sobre puentes, pero que al final nunca obtienen aquello por lo que pidieron. “Ruegos Aciagos” es pues, un retrato del desencanto hacia lo que no obtenemos. Fue el primer cuadro que pinté después de regresar del extranjero.

MI MADRE CHISMOGRAFIANDO, 2007, OLEO SOBRE TELA 50 X 60 CMS


MI MADRE CHISMOGRAFIANDO, 2007

Precio: $ 3, 300
OLEO SOBRE TELA 50 X 60 CMS

Una escena de todos los días. Pero dentro de la cotidianidad hay rebanadas de surrealismo: el gato que habla solo en inglés y el pensamiento en lengua croata a la derecha: “Mi madre chismografiando… ¡otra vez!”. Me gusta pensar que así pasará mi madre a la historia, alguien jovial, ajeno al mundo. Lo más difícil en este cuadro fueron los juegos de sombras, los volúmenes y relieves de la alfombra, así como el sentimiento de lejanía en la mirada.

HUYENDO DEL HUMUS, 2006, OLEO SOBRE TELA, 25 X 20 CMS


HUYENDO DEL HUMUS, 2006
Precio: $ 2, 900
OLEO SOBRE TELA, 25 X 20 CMS

En este cuadro están las semillas de todos los temas urbanos que estoy desarrollando o que desarrollé después: un equilibrista pasando de un edificio a otro sobre una soga. Todo bajo la luz del crepúsculo. En un edificio, la gente que queda atrapada por la invasión del musgo estira los brazos o corre por las azoteas tratando de alcanzar al equilibrista para salvarse o advertirle del peligro de caer. Del otro lado, los que ya están a salvo, miran con indiferencia los esfuerzos de aquél que va a medio camino. ¿Un cuadro inconsciente sobre la migración?

ESCARCEOS DE MIGRACION, 2007, OLEO SOBRE CARTON, 50 X 40 CMS


ESCARCEOS DE MIGRACION, 2007
VENDIDO
OLEO SOBRE CARTON, 50 X 40 CMS

Los emigrantes: mucho se habla de ellos, pero no siempre pensamos en la capacidad de carácter necesaria para pasar de un país a otro. Dejando tormentas internas o impuestas por el exterior para ir a ciudades “prometidas”. Los personajes están desnudos porque representan la fragilidad, sosteniendo un enorme cubo de oro falso con el símbolo de la libra, o del dólar, o del peso, o del euro, no importa, de todos modos, el dinero es el dictador de las acciones en los emigrantes, y también en la de los ciudadanos en general. A observar: los diferentes colores en el cielo, las montañas y el sol del ocaso.

EPIFANIA EN EL MUSEO CARRILLO GIL, 2008, OLEO SOBRE TELA 80 X 60 CMS


EPIFANIA EN EL MUSEO CARRILLO GIL, 2008
Precio: $ 2, 300
OLEO SOBRE TELA 80 X 60 CMS

Mis padres me llevaban a los museos en la ciudad de México para pasar los domingos, ya que no tenía hermanos con quienes jugar. Las imágenes abstractas de lo que ahí se exhibía se me quedaba grabado en la memoria y me provocaba pesadillas en las siestas. Cuando despertaba sudando, pasaba horas observando la luz del ocaso reflejándose en las nubes y cayendo sobre las azoteas. Este cuadro es un esfuerzo para reproducir ese sentimiento. A observar: los matices rosas y amarillos del atardecer y los trozos de pintura negra, semejando hojas cayendo del árbol.

ELLA DEVORADA POR SU PECADO, 2008, OLEO SOBRE TELA 50 X 60 CMS


ELLA DEVORADA POR SU PECADO, 2008
Precio: $ 2, 900
OLEO SOBRE TELA 50 X 60 CMS

Este cuadro participó en la exposición colectiva “El Día del Agua” en el Palacio Municipal de Apizaco, Tlaxcala. Pero no hay que confundirse: el pez no es tal, es una metáfora del ser humano, o mejor dicho, una mujer, llena de remordimientos. Al principio, me costaba trabajo representar directamente mujeres, confiriéndolas a imágenes de peces o fantasmas (“Ella dijo que podía entrar”). El agua es fría y sucia, por eso hace falta el rojo de los lirios, una referencia a Anatole France.

ELLA DIJO QUE PODIA ENTRAR, 2006, 30 X 25 CMS


ELLA DIJO QUE PODIA ENTRAR, 2006
Precio: $ 2, 800
OLEO SOBRE TELA, 30 X 25 CMS

Una vez la representación de la mujer, a través de algo indefinido. El vínculo sexual que hay entre el hombre y la mujer, que difícilmente se complementa. El cuadro es de tonos fríos porque así es todo lo que nos parece desconocido. La “otredad” siendo aquello que nos parece tan extraño y al mismo tiempo fascinante. Dedicado a todas las personas que nos han dejado huella y que sabemos que no volveremos a ver y a las prostitutas del bulevar Chomedey.


EL SONÁMBULO. 2006. 35 x 30 cms


EL SONÁMBULO.
2006. 35 x 30 cms. $ 2, 200

Una escena de vecindad, donde un hombre que camina dormido pierde el equilibrio en la azotea sobre la que camina, cayendo al vacío. Para mí, este tema es un homenaje urbano a todos los pintores nacionales de mediados del siglo XX: Goitia, Orozco Romero, González Serrano o Agustín Lazo. Es un patio de vecindad iluminado por un poste amarillento a lo lejos. En medio de la noche, nadie ha oído el ruido del accidente. Una vez más, el tema de los ciudadanos desamparados nace de la selva de la ciudad. Un cuadro más solitario, pero más directo y crudo (siento) que “La persona junto a ti llueve”.

EL REMORDIMIENTO, 2007. 52 X 65 cms.


EL REMORDIMIENTO.
Óleo sobre tela. Precio: $ 4, 300
“El remordimiento”, dentro de todos los cuadros que hice en Canadá, considero que es el que más satisfecho me ha dejado porque es el que es más crudo, el más desolador y donde trabajé con más hambre de riesgo.
No sé si el personaje de la cama soy yo, ni tampoco importa mucho. Es un cuadro frío como la vida cuando estamos es adversidad, donde todo es frío y todo lo vemos negro. En la derecha hay una puerta abierta que da a un bosque bajo la luna llena, y en primer plano, unas zorras se acercan al umbral; la zorra, en la mitología japonesa representa el demonio, los instintos bajos del hombre. El espíritu de la zorra (o el zorro) acompaña a escritores, pintores o todo artista. Mi escritor favorito es el japonés Yukio Mishima (1925 – 1970), y cuando pinté esta “víctima” estaba leyendo uno de sus libros cruciales: “El pabellón de oro”.
Hay ojos flotando en las paredes, ojos dolientes cuya inspiración nació de los cuadros medievales de la pasión de Cristo que se exhiben en el museo de bellas artes de Montreal.
De lo que más me gusta, y que también intriga a los que han visto este cuadro, son las llamas azules que envuelven al personaje; quería conseguir un color frío y espectral, y los conseguí, después de varias combinaciones. Atrás del protagonista del cuadro, hay un ser más grande cogiéndolo de los hombros: el remordimiento, recuerdos, arrepentimiento, rencor. Todo aquello que nos come.
Por eso digo fehacientemente que no necesitamos meternos drogas, ni alcohol ni cualquier basura al cuerpo para crear: las verdaderas y peores estimulaciones son: el insomnio, el desamor, la desesperación o el hambre.

EL HUERFANO, 2008

EL HUERFANO, 2008
Precio: $ 3, 800
OLEO SOBRE TELA 40 X 60 CMS
Quiero que los cuadros taurinos no sean unas simples estampas de triunfo, sino ventajas a otros simbolismos más ricos: el joven torero está solo en la bodega como en el vientre de su madre, antes de salir al ruedo, que es el mundo. La cara está indefinida porque es cualquier torero, o puede ser también persona, el torero es una metáfora de cualquier hombre enfrentándose a sus miedos y responsabilidades cotidianas, por más que las deteste. No hay que temer a la muerte, porque es lo más luminoso que nos espera al otro lado. Eso lo sabe el Gran Torero, que ha cultivado la soledad y contemplado los símbolos en la naturaleza

DONCELLAS INÚTILES. 35 X 50 cms.


DONCELLAS INÚTILES. 35 X 50 cms.
Óleo sobre tela
Precio: $ 3, 200

Una sirvienta espectral camina hacia uno, con brazos de tarántula, simbolizando todas esas personas que dicen querer ayudarte, pero que en realidad nos estorban, las malas amistades, los recuerdos tortuosos que encadenan a épocas inalcanzables y sólo hacen rancia nuestra vida. Son precisamente “inútiles” porque bajo su apariencia de servidumbre guardan una daga y el daño es peor de lo imaginado. Si se observa bien, hay rostros en las paredes. Es decir, todo el mundo critica, todos acusan, todo el mundo observa, pero pocos ayudan de verdad.

DIOS SANDÍA-MALA GOBIERNA EL MUNDO


DIOS SANDÍA-MALA GOBIERNA EL MUNDO
2006. 20 x 25 cms. Óleo sobre tela.
Precio: $ 1, 400.

Todos los pintores estamos condenados a pintar eventualmente una sandía. Pero ésta es una metafísica, flotando amenazante sobre la Tierra, como una nave nodriza extraterrestre. ¿O lo será realmente, camuflada de fruta ingrávida? La Sandía tiene hongos y está fermentada, dejando su pestilencia por encima de nosotros, de los conventos, los saltimbanquis, los changos de cilindreros, los magos de sombrero de copa, los ríos, el mundo entero. La sandía está mala, porque así como todo fruto se pudre y fermenta, tenemos conflictos con la autoridad, ya sea terrena o religiosa.

domingo, 9 de noviembre de 2008

La persona junto a ti llueve


LA PERSONA JUNTO A TI LLUEVE. Mixta sobre tela, 90 x 60 cms. (2008)

Precio: $ 5, 200

Por ahora, es el paradigma de lo que es el urbanismo en mi pintura. Ahí están todos los elementos: gente descalabrada sin nadie que la asista, el elemento surrealista de la persona convirtiéndose en agua, el personaje solitario, parado esperando el camión o el trolebús, los grafitos, los muros desgastados y perros.
Hace calor, el sol pega de frente al muro, en la cara del personaje (vestido por cierto con el uniforme de gala de la primaria lasallista donde estudié) y los animales. Todo se refleja en el enorme charco de agua que viene de la persona que se hace lluvia. Pero también hay otro charco más pequeño, el de la sangre de la mujer calva descalabrada en la acera; su perrito tiene ojos suplicantes a la espera que alguien la ayude. Y el otro perro más grande, tiene ojos blancos espectrales, de tanto cansancio y hambre.

sábado, 8 de noviembre de 2008

Bilinda Butcher 2008, óleo sobre tela, 70 x 50 cms. Precio: $ 3, 200


Estoy muy orgulloso de este retrato de la bajista de My Bloody Valentine. Fue mi símbolo sexual durante muchos años. Mi satisfacción es técnica y por toda la sensualidad que este cuadro evoca para mí: la cara de la mujer es sumamente fiel: los ojos tristones y las facciones finas. Aunque el cuerpo está algo estilizado, no importa mucho. Lo que sí cuenta son los matices y todos los colores de la piel. De todos los claroscuros que he hecho, éste está llevado al extremo. Los dobleces de la falda, los relieves hechos adrede en las botas, la luz salpicada de amarillos. Todo es de una gran sensualidad para mí. Hasta ahora, es el único cuadro que ha sido ejecutado gracias a un sentimiento de deseo puro. Los pies están indefinidos porque es como una manera de recordarme lo inalcanzable, pero sobre todo porque es influencia directa de la pintura norteamericana contemporánea que consulto frecuentemente cuando trabajo.

Inauguración "Color & Vida"



Discurso de inauguración de la exposición "Color y Vida" por el productor Tomás, de la cadena CNN en español.

Viernes 7 de noviembre '08

Puebla, México